SUSPIRIA

L’idea chiave del regista e dello sceneggiatore David Kajganich (già co-autore di A Bigger Splash e apprezzato poi nella serie The Terror) è quella di ambientare il film nella Berlino del 1977 (anno di uscita della pellicola di Argento), allargandone quindi il contesto e legandolo alla realtà storica; da fiaba orrorifica ammantata di suggestioni esoteriche (grazie soprattutto alla spinta propulsiva di Daria Nicolodi, cultrice della materia) Suspiria si trasforma così nella riflessione sui prodromi del mutamento di un’epoca, sul senso di colpa e sulle logiche perverse del potere, risultando una pellicola che si presta a varie chiavi di lettura.

Guadagnino condensa in un prologo criptico e schizofrenico i nessi causali sui quali si regge la struttura metaforica dell’opera: il dottor Klemperer (personaggio chiaramente ispirato alla vita e all’opera di Victor Klemperer, filologo ebreo-tedesco il quale scrisse “LTI: La Lingua Del Terzo Reich”, una chirurgica disamina, in forma diaristica, della corruzione del linguaggio da parte del regime nazista al fine di manipolare le masse), anziano psicanalista tormentato da orrori passati e da rimorsi mai sopiti (non riuscì ad impedire la deportazione della moglie; il vero Klemperer, al contrario, fu perseguitato e si salvò grazie alla moglie “ariana”), riceve una ragazza, in evidente stato di alterazione, che gli parla di una scuola di danza governata, a suo dire, da una congrega di streghe, mentre fuori dalla finestra si ascolta l’eco dei tumulti del presente; il plot, partendo dal dramma privato dell’uomo, va a tracciare l’autobiografia di un continente e della sua nazione cardine, illustrandone al contempo i fremiti in atto: all’ombra del muro che incombe sotto un cielo perennemente plumbeo – dove convivono i retaggi striscianti del nazismo, i movimenti protestatari con tutte le loro contraddizioni, le avanguardie artistiche, il terrorismo, le trame occulte – prende forma un percorso di espiazione “allucinatorio”, individuale e collettivo, con la Tanz Akademie a fungere da “loggia nera” all’interno della quale un’intera società si trova a fare i conti con i propri “dèmoni”.

Susie Bannion rappresenta allora quella “fine della storia” che, giunta da oltreoceano, spazzerà via le vecchie logiche (non solo a livello politico, ma anche nel costume e nelle forme di comunicazione), imponendo un nuovo ordine solo apparentemente “aperto” e pacifico (l’era dell’edonismo e del “disimpegno” che sfocerà in quella che verrà chiamata “globalizzazione”) ma che in realtà comporterà il prezzo della rinuncia alla memoria (simbolicamente cancellata con un gesto) e quindi la perdita di radici e punti di riferimento.

Forte di questa ricchezza tematica e di questo ribaltamento di prospettiva Luca Guadagnino riesce a bilanciare efficacemente l’anima più cerebrale della pellicola con quella maggiormente di genere (con un amplissimo spettro di influenze che può partire, per citarne solo alcuni, dallo Zulawski di Possession, transitare per Fassbinder ed approdare a Fulci), e si dimostra un virtuoso della macchina da presa: l’impressionante “disarticolazione” di una ballerina, il lungo piano sequenza della votazione delle streghe, le scene di danza splendidamente coreografate, i sogni angoscianti, le soggettive insolite, tutto il film è costellato da momenti di grande impatto visivo e di perfezione formale; nel prefinale poi il regista siciliano osa con un sabba sopra le righe, tripudio di grottesco e “gore” che culmina in una sorta di performance di videoarte (condensando i finali della trilogia delle Madri argentiana: un convegno stregonesco, l’apparizione della morte e l’uccisione di Helena Markos).